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El artículo fue redactado hace ya varios años... y creo que merece un análisis aun más profundo con el impacto de la inteligencia artificial, que nos plantea un horizonte diverso y complejo.

Muchas gracias por enriquecer con tu comentario!

Una de las ideas más importantes del texto es que, antes de diseñar una marca, hay que entender bien qué tipo se necesita. No se trata solo de crear algo atractivo, sino de elegir una forma de marca que comunique correctamente la identidad del producto o empresa.

Por ejemplo, si estoy diseñando para un producto alimenticio, como unas papas fritas, probablemente sea mejor usar un isologo o un imagotipo. Un buen ejemplo es Doritos, que combina un símbolo llamativo con el nombre. Esto ayuda a que la marca sea más recordada visualmente, porque el diseño debe captar la atención y ser fácil de identificar en una estantería.

En cambio, si se trata de una empresa más formal o institucional, como un banco o supermercado, puede ser suficiente usar un logotipo (solo texto) o un isotipo (símbolo simple). Marcas como Supermaxi o Mi Comisariato se enfocan más en que el nombre sea fácil de reconocer, generando confianza y familiaridad.

En resumen, antes de diseñar una marca, es fundamental pensar bien a qué sector pertenece, qué mensaje quiere transmitir y cómo será vista por el público. Si no se hace este análisis previo, es fácil equivocarse en el tipo de marca y afectar su efectividad.

El artículo presenta con claridad y profundidad uno de los dilemas más importantes en la estrategia de branding: cuándo conviene bautizar un producto con marca propia y cuándo mantenerlo bajo una denominación genérica. Lejos de ofrecer una respuesta simple, el texto destaca que la decisión debe basarse en criterios estratégicos, económicos y comunicacionales concretos.

Así es, generalmente la narrativa de marca es tarea del envase, no de la marca gráfica.

El artículo presenta una visión correcta sobre cómo la industria alimentaria ha respondido de forma creativa y estratégica a las restricciones impuestas por la Ley de etiquetado frontal. Lejos de ver las regulaciones como un obstáculo insalvable, las empresas han demostrado resiliencia e innovación al reubicar licencias infantiles en productos sin sellos, como fideos o puré de tomate.

Llegando a un conclusión, la industria demuestra que, ante límites normativos, el ingenio estratégico y visual sigue siendo una poderosa herramienta para mantener la relevancia en el mercado.

La verdad, esta muy bien dicho en este artículo de como el diseño se usa en un producto para supermercados.

Esto llegando a la conclusión de que la marca gráfica de producto cumple una función esencialmente identificatoria dentro del diseño de envases, especialmente en contextos comerciales altamente competitivos como las góndolas de supermercados.

Leyendo el artículo, el diseño debe estar basado a la estrategia de una empresa corporativa.

LLegando a la conclusión que el artículo es una llamada de atención a la responsabilidad que tienen los diseñadores y empresas al construir marcas. Nos recuerda que una buena identidad no se basa en modas ni intuiciones, sino en un proceso riguroso, contextualizado y estratégico.

Poner un precio al trabajo creat͏ivo es un reto com͏ún, ya q͏ue no se aprende cómo hacer͏lo. No hay q͏ue trabajar gratis o ͏a pérdida para ganar experiencia; en lugar d͏e eso, céntrate en mostr͏ar cómo tu trabajo solucio͏na un p͏r͏o͏blema real del cliente. El precio debe cubrir tus gastos y el valor͏ que el cliente ve, y es importante man͏tene͏r͏ tu tarifa firme p͏ar͏a ganar c͏onfianz͏a. La creatividad no tiene un v͏alor fij͏o; depende de muchos elementos por eso debes escoger bien para quié͏n trabaja͏r y cuánto cobrar.

Me parece interesante cómo el diseño no solo busca ser útil, sino que también tiene un papel importante en lo bello y simbólico. Es como una mezcla entre ciencia y arte que está presente en cosas que usamos todos los días, y eso lo hace muy importante en nuestra vida cotidiana. También, la unión histórica con el arte le da mucha profundidad y sentido.

El texto͏ muestra͏ bien como la ͏tecno͏logía ha cambiado el diseñar gráfico͏, aunque destaca que no es suficiente saber usar herramientas digitales, el diseñador debe mezcla͏r esa habilidad técnica con una fuerte preparación artís͏tica y ͏de conceptos. ͏La creatividad y sab͏er algo an͏tes son importantes para que la͏ tecnol͏ogía mejore el traba͏jo y no lo frene. En resumen, el buen diseño nace de combinar t͏éc͏ni͏ca, arte ͏y tecno.

El texto abre un debate importante acerca d͏e la forma del ͏dise͏ño, preguntando si ͏es más ciencia qu͏e arte ͏y mencionando que la manera de hacerlo es es͏encial. Mu͏estra cómo el diseño actua͏l usa un méto͏do lógico y ordenado, pero también dice q͏ue ese ͏método está en aprieto, animándonos a piensa͏r en un diseño más complicado y libre. Pienso que ͏es muy bueno com͏enzar una charla sobre c͏ómo sería un diseño bajo otros enfoques y sí no ͏se p͏uede romper la división arte-ciencia para afrontar problemas hoy.

Aca en ecuador no tenemos octágonos con los parámetros alimenticios , pero si el horrible e invasivo "semáforo nutricional" es un cuadrado enorme que te modifica los espacios utilizables y ademas lo ponen donde quiera y termina tapando cosas importantes de la marca. En ciertos productos los pegan a cada lado , En ecuador no hay restricciones respecto al uso de personajes , pero aca he visto diferentes licensias en productos alto en azucar , grasa o en sal.

Pero generalmente las marcas de productos de como sodas , snacks etc las que mas sufren el "alto en azucar o en sal" tienen sus propio personajes , y tambien ocasionalmente con otras liscencias, en el supermaxi hay un cereal alto en azucar , pero que tiene a los vengadores de marvel.

Me parece que este texto pone en evidencia una realidad que muchos diseñadores de moda enfrentan: la falta de reconocimiento profesional serio tanto dentro como fuera de su propio gremio. Es triste ver cómo en redes sociales se reduce su trabajo a comentarios superficiales y carentes de profundidad, cuando detrás de cada colección hay un proceso complejo de investigación, creatividad, estrategia y responsabilidad social. La distinción clara entre diseñador de moda y fashionista es fundamental, porque mientras uno crea y aporta a la industria con conocimiento y visión, el otro simplemente sigue tendencias sin profundizar. La moda no es solo ropa bonita; es un motor económico, una forma de comunicación cultural y un espacio para innovar en sustentabilidad y diversidad. Para que esta profesión sea valorada, es necesario que los propios diseñadores se reconozcan como profesionales serios y utilicen un lenguaje y una presencia acorde. Solo así el respeto y la importancia del diseño de moda crecerán en la sociedad y en el mismo gremio creativo.

El artícul͏o muestra claramente los peligros é͏ticos de usar int͏eli͏gen͏cia artific͏ial para cre͏ar fotos, e͏n especial cuando se usan obra͏s de artistes sin su permiso. Dice cómo algunos se creen creadores de cosas hechas por IA como si fueran suy͏as, lo cual ͏pre͏gunta sobre quién es el autor y cuán original es. También avisa sobre la falsa información que ͏puede causar una mala usa͏ de est͏as imágenes; algo que necesita más reglas ͏y consciencia del público.

La inspiración no es un misterio mágico que llega de repente, sino un fruto que se cultiva con paciencia, atención y amor por lo que hacemos. Es la suma de nuestras experiencias, aprendizajes y emociones que, cuando las nutrimos bien, nos señalan caminos únicos para crear. Pensar que la inspiración es un golpe de suerte limita el potencial que todos tenemos para conectar con nuestras ideas más genuinas. Cuidarla es como cuidar una relación valiosa: necesita tiempo, curiosidad y un constante deseo de descubrir y asombrarse. Al final, la inspiración es un compañero fiel que, cuando lo respetamos, nos impulsa a dar lo mejor de nosotros mismos y a transformar el mundo con nuestra creatividad.

Muy de acuerdo la verdad, ante de crear un diseño primero se debe hacer un analísis de las competencias para sí crear una estrategia que este alineado con la marca. También algo que estoy muy de acuerdo es que entender al cliente y consensuar criterios antes de diseñar permite crear marcas duraderas, coherentes y funcionales.

En conclusión, puedo tener el mejor diseño en mente, pero si no se estudia primero las competencias, analizarlas y crear una estrategia competitiva, de nada va a servir.

Lo que plantea este análisis me parece fundamental para entender cómo el arte y el diseño han cambiado con la llegada de las redes sociales y la globalización. Hoy, la legitimidad ya no depende solo de expertos, sino de comunidades que a veces privilegian la cantidad por sobre la calidad, lo que puede desdibujar la diversidad auténtica. Sin embargo, también abre la puerta para que voces emergentes y culturas menos conocidas se hagan visibles, aunque a veces en un marco estandarizado y globalizado que borra diferencias. Quizás estamos viviendo una especie de «cultura híbrida» donde lo local convive con lo global, mezclando símbolos y tradiciones, aunque no siempre con la profundidad original. Esto no significa perder identidad, sino transformarla, vivir en un mundo donde ser multifacético es la norma. Y aunque a veces se banalice la cultura, estas fusiones pueden acercarnos y generar nuevas formas de conexión y significado, propias de esta era digital que aún está en construcción.

Es impresionante como algo tan genuino puede cambiar la historia y como las mascotas en el packaging pueden generar una conexión emocional con el consumidor. Me causa gracias y hace pensar en cómo los elementos visuales pueden influir en las decisiones de compra.

Lo que revela esta historia es que nuestra capacidad para imaginar y compartir realidades invisibles ha sido la chispa que encendió toda la evolución humana, desde la supervivencia hasta la cultura y la civilización. No solo somos seres que actúan, sino narradores que construyen mundos con historias, símbolos y objetos. El diseño, en este sentido, es mucho más que crear formas o productos; es la herramienta que materializa nuestras creencias, miedos y sueños, y nos une en proyectos comunes. La estatua del león-humano y el logo de Peugeot son ejemplos distintos pero profundamente conectados: ambos surgen de una realidad imaginada que millones aceptan y que da sentido a su existencia. Así, el diseño se convierte en el lenguaje invisible que sostiene nuestra cooperación social, ese puente entre la ficción y lo tangible. Sin esa capacidad de crear y creer, no existiríamos como sociedad organizada ni habríamos logrado nada de lo que hoy conocemos. En definitiva, el diseño es la magia ancestral que sigue dándole forma a nuestro mundo.

Barragán da una vista crítica y nostálgica sobre los carteles de hoy, preguntando por la pérdida de su trabajo al comunicar y su camb͏io en un artículo decorativo para una élite que am͏a verr. Su ͏pens͏amien͏to choc͏a el in͏teri͏r de las bienales presentes con la vi͏vacidad ͏común͏ de los memes, ͏mostr͏ando que el c͏artel͏ ya no est͏á en la calle pero no se ha q͏uitado la idea.

El rediseño de Gap fue muy controversial, aquí muestra cómo un cambio de marca puede desconectar a los consumidores si no se considera su percepción y apego emocional, a la final por no contar una historia bien rompió el vínculo de confianza que sus consumidores ya llegando a ser fieles, contruyeron a lo largo de los años con la marca.

Si el diseño lograra finalmente ser parte natural y cotidiana de nuestra vida, dejaría de ser ese lujo al que solo unos pocos pueden acceder o entender. Sería como el aire que respiramos, algo tan presente y necesario que ni siquiera notaríamos su existencia, pero que sin él, todo se volvería más complicado y menos humano. El diseño dejaría de ser un símbolo de estatus para convertirse en un derecho básico que mejora la calidad de vida de todas las personas, sin importar su origen o situación. Imagina un mundo donde la información sea clara, los espacios inclusivos y los productos accesibles para todos, no por moda, sino por respeto y sentido común. En ese escenario, el diseño dejaría de buscar llamar la atención para empezar a facilitar la vida, conectar culturas y proteger nuestro entorno. Sería el héroe silencioso que sostiene nuestra sociedad, porque cuando algo funciona bien, ni siquiera pensamos en ello. Así, el diseño se convierte en un verdadero acto de cuidado y justicia social, más allá de la estética o el negocio.

Transmitir el concepto de una marca va más allá del logotipo. Y me parece bien que aquí se refuerza la idea de que cada elemento visual debe alinearse con la esencia y valores de la marca, ya no terminamos solo diseñando algo literal, no vamos mas allá de una idea y nos vamos a un concepto.

El ͏texto enseña como e͏l cine y el diseño gráfico ͏comparten algunos elementos importantes como la forma, el tono ͏y la letra. Con ͏ejemplos de directores y͏ artistas,͏ se ve͏ cómo ambos usan imágenes para mostrar sentimientos y cosas a͏ propós͏ito y con͏ su propio modo.

El color aparte de ser complejo, es una herramienta poderosa en el diseño de marcas. Este artículo me pone a reflexionar sobre cómo los colores bien usados y definidos pueden influir en la percepción y deben ser seleccionados estratégicamente.

La autenticidad es la clave en la construcción de marcas. Esto realmente me recuerda que como diseñadores debemos evitar crear identidades basadas en falsedades o copias exageradas que puedan dañar la reputación a largo plazo. Ya no solo termina siendo algo llamativo, si no algo estratégico.

Me parece bueno que destaca la importancia de comprender y utilizar correctamente la terminología en diseño.

Si es cierto que como diseñadores, debemos ser precisos en nuestro lenguaje para comunicar eficazmente nuestras ideas y conceptos, pero siempre va a haber una barrera si no hay una comunicación efectiva.

El texto ace͏rc͏a͏ de Juan Getti enseña cómo un est͏ilo único puede ser una identi͏dad visual, ent͏anto que el de María Hu͏rta͏do ͏Abril expone qu͏e el dibujo es esencial para ver͏ ideas. Los dos están de acuerdo en que crear e͏m͏pieza con probar y libertad, y que ͏tod͏o buen diseño sale de un͏a raya espontánea.

Realmente diseñar para productos de consumo en masa requiere entender el comportamiento del consumidor y del entorno competitivo, si termina siendo un reto bastante grande porque la marca debe comunicar valor y diferenciarse claramente en el punto de venta.

Buscar la originalidad es lo que primero uno piensa, pero es importante no perder de vista los códigos y la funcionalidad. La innovación se tiene que equilibrar con la comprensión del contexto y las necesidades del usuario.

Una explicación muy clara acerca del branding y como esta ayuda a vender de una manera más personal o emocional a un cliente.

Leyendo esto llegue a la conclusión de que el branding no es solo diseño o marketing, sino una estrategia integral que define cómo una marca vive en la mente y en el corazón de sus clientes.

El artículo dice cómo Juan Gatti ha sido importante en la imagen del cine de Almodóvar. A ͏mí me parece interesante como une ͏lo hecho mano con estilo pop-kitsch; y como su obra no solo se trata de ͏p͏oster, sino ͏también forma parte de ͏todo el mundo visual de las películas͏. Su man͏era de ͏usar c͏olor y collage me anima mucho como futura diseñadora.

El branding no termina siendo solo una cuestión de diseño gráfico, tambien es una estrategia que abarca desde la identidad visual hasta la experiencia del usuario. Como diseñadores, muchas veces es dificil comprender el panorama completo para crear marcas coherentes y significativas, pero ahí esta la diferencia del que la hace por hacer y el que la piensa.

Actualmente la inteligencia artificial es de mucha ayuda para el mundo del marketing, pero nunca lo va a reemplazar, sino a potenciar. Si se usa estratégicamente y con ética, permitirá a las empresas conectar mejor con su audiencia, logrando un equilibrio entre tecnología y creatividad.

Este recorrido por la historia de la Bauhaus me dejó reflexionando sobre cómo el diseño no nació simplemente como una herramienta estética o decorativa, sino como una poderosa forma de responder a necesidades sociales, industriales y humanas. Me llamó la atención cómo esta escuela, hace ya 90 años, supo integrar arte, técnica y producción en una visión adelantada a su tiempo.

Lo más valioso de su legado, más allá de los nombres célebres como Gropius, Moholy-Nagy o Mies van der Rohe, es esa capacidad de pensar el diseño como un puente entre creatividad y funcionalidad, entre lo bello y lo útil, entre lo ideal y lo posible. Incluso en su etapa más politizada, bajo la dirección de Hannes Meyer, se reafirmó que el diseño también puede ser una herramienta de transformación social, pensada para mejorar la vida de la mayoría y no solo de una élite.

Es curioso y algo paradójico cómo, a pesar de esos orígenes con tanto compromiso, el diseño haya terminado siendo tan absorbido por el sistema capitalista de consumo masivo, convirtiéndose muchas veces en simple estrategia de venta. Pero también es entendible: vivimos en un mundo donde lo visual y lo inmediato dominan.

Aun así, saber que la Bauhaus fue ese punto de partida que lo cambió todo, me inspira. Nos recuerda que el diseño puede tener un propósito más profundo, y que detrás de cada objeto bien pensado puede haber una idea, una intención, una ideología. No es solo hacer cosas lindas; es hacer cosas que valgan la pena. ¡Larga vida, sin duda, al legado de la Bauhaus!

Qué gusto este artículo, el culto al cliente , nada más cierto , yo como diseñador e tenido que dar pleitesía a mis clientes , se creen la gran cosa cito 'El cliente es cliente porque le hace falta lo que el diseñador ofrece, de lo contrario no lo sería. una gran verdad para bajar del pedestal a los mercenarios "clientes"

Tomando en cuenta eso , debo lidiar con clientes que muchas veces ni saben lo que quieren y cuando lo obtienen se ponen caprichosos o a querer intentar "diseñar' , e tenido que entregar cosas que "aprueba el cliente" pero que son lo mejor "diseñado" todo por cumplir sus caprichitos

Es momento de que los diseñadores se empoderen y pongan en su situo a los agrandados "clientes"

Inspirador en sí mismo. Es verdad que reivindica el trabajo, el estudio y el conocimiento como verdaderas fuentes creativas de ideas. A la final la inspiración no es mágica ni exclusiva de artistas, está en todos los que observan, investigan y piensan con profundidad, es todo lo que nos rodea.

Me parece correcto lo que dice. Si se quiere comunicar una marca, no debe de ser con cosas fictisias o fantasiosas, sino conn un manual de identidad claro y realista, ya que puede que una marca pierda su credibilidad al mostrar algo diferente a lo que es en el momento. Aunque en campañas específicas esta bien usar historias y elementos fictisios, en lo que es la marca no se debería.

Este artículo me dejó pensando profundamente sobre el papel de la inteligencia artificial en la creación de imágenes. Es evidente que estamos ante un cambio de paradigma, no solo tecnológico, sino también ético y cultural. Me gustó que el texto no sataniza a la IA, sino que plantea preguntas importantes sobre su uso responsable. La comparación entre quienes usan estas herramientas como fuente de inspiración y quienes simplemente las explotan para obtener crédito fácil me pareció muy acertada. Me impactó especialmente el ejemplo de las imágenes de animales falsos que muchas personas creen reales. Muestra claramente cuán vulnerable es el público ante la desinformación visual. Coincido en que la IA no es el problema en sí, sino el mal uso que algunos hacen de ella. Tal vez lo que más necesitamos ahora no son más herramientas, sino más criterio, más educación visual y más transparencia.

Este artículo me pareció una llamada urgente a volver a valorar el dibujo en el diseño, no como una simple habilidad técnica, sino como el corazón mismo del pensamiento visual. Me hizo pensar que muchas veces, por miedo o prejuicio, separamos dibujo y diseño como si fueran mundos distintos, cuando en realidad son casi sinónimos. El autor explica con claridad que dibujar no es solo trazar líneas, sino imaginar, organizar, construir una idea con precisión antes de plasmarla. Me gustó mucho la analogía con el rostro humano: todos tenemos los mismos elementos, pero lo que nos diferencia son las proporciones, relaciones y detalles. Eso es diseño. Sentí que el texto también denuncia una pérdida de respeto por el dibujo en la formación académica, algo que deberíamos recuperar si queremos diseñadores realmente sensibles, observadores y creativos.

Este artículo me hizo reflexionar profundamente sobre cómo muchas veces, como diseñadores, sentimos la presión de ser completamente originales, como si todo debiera salir de la nada para ser valioso. Pero la verdad es que nada nace en el vacío. Me encantó cómo el autor baja esa idea a tierra con ejemplos tan cotidianos como una canción interpretada dos veces y aún así nunca idéntica. Eso me hizo pensar que en el diseño pasa igual: siempre estamos tomando algo que ya existe, adaptándolo, dándole nuestro toque, y eso está bien. No se trata de inventar el mundo otra vez, sino de encontrar ese punto justo entre lo familiar y lo nuevo. A veces creemos que si algo se parece a otra cosa, pierde valor, pero este texto me ayudó a ver que es todo lo contrario: reconocer las referencias le da más sentido a lo que hacemos. Me pareció una mirada muy honesta y liberadora del proceso creativo.

No veo contradicción entre lo "llamativo y comercial" y lo sobrio. Es perfectamente posible que una marca sea llamativa, comercial y al mismo tiempo sobria.

El matiz que mencionas sobre el tamaño de aplicación del logotipo en el envase ya está expresado en el artículo: "debería ser el mayor posible, en la medida en que el estilo adecuado para el envase no se vea comprometido".

El artículo acierta al destacar que la marca gráfica de producto cumple una función principalmente identificatoria, diferenciándola de marcas corporativas o territoriales. Es certero al señalar la prevalencia de logotipos tipográficos y la necesidad de legibilidad, pregnancia y optimización espacial para destacar en góndolas saturadas. Sin embargo, calificar su estilo como (llamativo y comercial) resulta limitado: muchas marcas premium logran eficacia desde la sobriedad. También merece matices la recomendación de usar el logotipo al máximo tamaño posible, ya que en diseños minimalistas el equilibrio visual puede primar. Se valora la insistencia en la integración entre marca y envase, y la observación de que los rediseños suelen ser ajustes sutiles, no transformaciones radicales. Aunque faltan ejemplos y un mayor desarrollo sobre jerarquización de líneas de producto, el texto aporta claridad sobre un tema poco explorado. Su crítica final a la confusión entre branding corporativo y de producto señala un problema real en la práctica profesional.

Yo diría que es exactamente al revés. La marca de producto tiene más margen para narrar algo (muy poco más) que la marca corporativa.

Esta es una advertencia necesaria para todo diseñador que se acerca al branding con ligereza o con recetas heredadas del marketing de ventas. Muy puntual la distinción que hace entre la publicidad comercial y la gestión estratégica de marca: no es lo mismo «vender» que «identificar», y tratar a los signos marcarios como si fueran simples mensajes publicitarios conduce a errores estructurales. El texto aporta una mirada profesional que rescata el rol del diseñador como estratega, no solo como ejecutor visual. Me pareció valioso el listado de parámetros que definen el rendimiento funcional de una marca: versatilidad, inteligibilidad, declinabilidad, legibilidad, estas herramientas concretas que van mucho más allá de si una marca «se ve bonita» o «impacta». Este artículo desmitifica la idea de que cualquier signo visual puede ser una marca. Nos recuerda que diseñar una marca es construir un sistema de identificación coherente, duradero y adaptado a condiciones reales de comunicación.

A veces en diseño nos enfocamos tanto en lo técnico, las herramientas o las modas, que olvidamos que lo central es pensar, resolver y proponer con criterio. Me gustó cómo plantea que el verdadero reto es diseñar con sentido, no solo hacer cosas bonitas.

No solo habla de branding, sino que se mete con la filosofía, la ciencia y hasta lo existencial. Me hizo pensar en lo pequeñas que son nuestras marcas comparadas con la magnitud del universo pero también en lo poderosas que pueden ser si tienen propósito.

No soy fanático de la historia del diseño, ni me hago el intelectual con eso. Lo mío va por otro lado: crear, probar, diseñar.

De las y preguntas solo respondí si a la 3,4y 7 pero como diseñador las corrientes históricas "Bauhaus" ,los maestros tipográficos y los problemas sociales y soluciones , no me podrían importar menos , ojo si me gusta la literatura, la ciencia ficción poesía , arte y cine

lo que más me interesa es investigar llenarme de referentes para poder diseñar , crear conceptos y gráfica , pero no es que sea fan de la historia del diseno y me vuelva loco por dieter rams , steve jobs y demás, simplemente soy pragmático si realmente tengo que leerlo lo leo bien y lo uso.

Conclusión

Me interesa poder reconocer y trabajar distintos estilos gráficos, disfruto de y observo constantemente el entorno visual como una forma de entrenar la mirada, amo seguir aprendiendo, El resto, la verdad, me da igual… por no decir algo peor.

Qué buen repaso conceptual, a veces confundimos estos términos como si fueran sinónimos, y eso nos hace cometer errores en el trabajo de marca. Me gustó mucho cómo explican que la identidad es lo que somos, pero la imagen es lo que los demás perciben. Parece obvio, pero no lo es.

Muy bueno cómo explican que la IA no reemplaza la creatividad humana, sino que puede potenciarla, a veces asusta un poco todo lo que la tecnología puede hacer, pero me gustó la visión equilibrada del artículo. El desafío está en cómo usarla con criterio y no perder el toque humano en las marcas.