Actividad reciente

Considero que el diseño va más allá de ser solo una herramienta funcional; es una expresión cultural que refleja los valores y las tecnologías de nuestra época. La verdad me llama la atención cómo se destaca que el diseño, junto con la industrialización, ha permitido que la estética ya no sea exclusiva de las élites, sino algo accesible en productos cotidianos. Esto me hace pensar en cómo, hoy en día, hasta los objetos más simples desde un celular hasta una simple mesa, tienen un componente de diseño pensado para ser atractivo, lo que demuestra que la belleza y la utilidad pueden ir de la mano.

Sin embargo, también creo en si esta masificación del "buen diseño" podría llevar a una estética más compacta u homogénea , donde todo se vea similar por seguir tendencias globales. Dónde quedaria la identidad local o la innovación radical si el mercado prioriza lo comercialmente viable? Aun así, creo que el diseño sigue siendo un campo en evolución, donde lo técnico y lo creativo se complementan, y eso es lo que lo hace tan chévere para estudiarlo y debatirlo.

Me parece increíble cómo la Bauhaus y los Vkhutemas marcaron un antes y un después en el diseño, agrupando arte y funcionalidad. La modernización de los métodos de enseñanza y la experimentación que promovieron en su época, siguen influyendo en la actualidad.

Desde mi punto de vista, esta oposición entre arte y funcionalidad en el siglo XIX marca un momento clave en la historia de la creatividad humana. El siglo XIX fue una época en la que la Revolución Industrial cambió drásticamente la producción y el consumo de bienes, y los artistas, en parte, buscaron resistirse a la industrialización de la vida cotidiana. En lugar de centrarse en la creación de objetos útiles, se inclinaban más por explorar lo abstracto, lo conceptual y lo emocional, alejándose de la funcionalidad práctica para reivindicar la autonomía del arte.

El texto muestra una perspectiva en la que romántica el diseño en función al capitalismo. Desde la perspectiva de marx, el diseño moderno funciona como instrumento de deseo de la mercancía, donde su función creativa, oculta las relaciones de producción capitalistas al enfocarse en valores simbólicos sobre los materiales.

Desde un punto, el texto idealiza el diseño como puente entre arte y técnica, pero evita cuestionar su rol en la preservación de desigualdades bajo sistema capitalista. Una postura definida, exigiría integrar perspectivas críticas sobre su función ideológica y económica.

El artículo pone sobre la mesa una reflexión esencial acerca del rol actual del diseñador industrial en el contexto de sostenibilidad y cambio climático. Es especialmente relevante el llamado a asumir la responsabilidad sobre las decisiones que tomamos como diseñadores, no solo en términos estéticos o funcionales, sino principalmente en cuanto al impacto ambiental y social que nuestros productos generan.

Me parece muy acertado cómo se destaca que el diseño debe evolucionar de un enfoque centrado en el consumo hacia uno basado en principios de economía circular. Es crucial que los diseñadores industriales interioricen profundamente las tres reglas fundamentales del desarrollo sostenible mencionadas en el artículo: el uso equilibrado de recursos renovables, el control de contaminantes y el aprovechamiento racional de recursos no renovables.

Sin embargo, aunque la visión del artículo es ideal y muy necesaria, quizás subestima las dificultades prácticas que enfrentan los diseñadores que trabajan para grandes empresas tradicionalmente orientadas al consumo masivo. No siempre es fácil para un diseñador influir significativamente en las decisiones estratégicas o materiales de una compañía. La propuesta del autor de pasar de "trabajar para" a "trabajar por" es inspiradora, pero requiere condiciones ideales que, lamentablemente, no están al alcance inmediato de todos los profesionales.

Las soluciones sugeridas al final del artículo, como certificados de ecodiseño y bases de datos de materiales sostenibles, son especialmente valiosas porque aportan herramientas concretas y realistas para facilitar esta transición. Sin embargo, se podría profundizar en cómo estas iniciativas podrían integrarse en los procesos industriales actuales sin provocar disrupciones económicas abruptas.

En conclusión, aunque el artículo presenta una visión optimista y necesaria sobre la responsabilidad ambiental del diseñador industrial, sería también importante incluir una reflexión crítica sobre cómo superar las barreras prácticas y económicas que todavía impiden una plena adopción del ecodiseño. Esto ayudaría a equilibrar la visión idealista con soluciones prácticas y factibles que puedan realmente transformar el sector a largo plazo.

David

deardesign.studio

Alisson, te ruego que le digas a tu docente que yo digo que no tiene sentido que te obligue a escribir tu resumen del artículo en este espacio. Tu resúmen no tiene interés para nadie más que para él o ella. Sé que sus intenciones son las mejores: introducirte en la reflexión y el debate en torno a la profesión. Pero no lo está logrando.

Dile por favor que yo le sugiero que en el futuro te pida que hagas tu resumen y que lo escribas a mano en un papel. De esa forma, aunque utilizaras IA, al menos tendrías que leer tu texto una vez y, tal vez, podría ser un gran avance respecto de lo que estamos logrando hoy. En el mundo de la IA, la escritura a mano puede ser revolucionaria.

... asumo que la comunicación visual parte de acuerdos (la suma constante de referentes en constante evolución). Ir sumando nuevos discursos tendría que ver con la amplitud del espectro cultural común. Si viajase a la India ó algún lugar exótico podría intentar "importar" algún criterio visual que luzca interesante , pero además debería adaptarlo al lenguaje común occidental para que este fuese entendido, consensuado. Tal vez en el diseño de una marca, logo/isotipo, la forma visual podría pasar el filtro cultural pues las formas diferentes, atraen. Más, si el mensaje fuese complejo, sería mucho mas arduo el proceso de adaptación.

Pero, el mundo, las culturas interactúan cada vez con mas dinamismo. Los límites culturales se desvanecen, aún a pesar de las doctrinas, las limes políticas.

Si la singularidad depende de las características culturales y estas a la vez evolucionan, debido al interacción - digital -entre las diferentes naciones, religiones, cosmovisiones, etc... ¿habría límites a la singularidad?

Un feliz fin de semana apreciados colegas.

Cuando escribí este artículo, lo hice pensando en algo que veía y hacía yo también. Hoy lo sigo haciendo desde plataformas de marketplace, buscando opiniones y también colaborando con las mías. Así, puedo dejar testimonios sobre algún producto.

El diseño es opuesto a la evolución.

Puede ser que la percepción de la herramienta operadora (el diseñador) esté más o menos nítida.

Se piensa mucho y en todo momento, en «eso». Y quienes lo hacen son los expertos, entre otros, los expertos en ventas.

Si aquellos hacen bien su trabajo, el diseñador puede hacer el suyo con una base concreta.

¿Por qué te molestas en transcribir la respuesta de una herramienta en este lugar?

¿No te interesa el contenido del artículo?

¿No tienes cariño ni respeto por la disciplina común de este espacio?

Se supone que esto no es un examen impuesto. Se supondría que resulta ser todo lo contrario.

Y lo otro. No tienes respeto ninguno por el tiempo. Comenzando por el tuyo.

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Aviso que la siguiente, será mi respuesta para cada una de estas nefastas intervenciones generadas por « inteligencia ausencial», porque ya es demasiado lo que prolifera este virus:

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Se supone que esto no es un examen impuesto. Se supondría que resulta ser todo lo contrario.

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Me parece interesante cómo el artículo destaca la función del packaging como portavoz de la marca, comunicando tanto de forma verbal como no verbal. Al analizar ejemplos específicos, se profundiza en los elementos que constituyen la identidad del producto y su propósito. Además, se resalta la importancia de clasificar y comprender las estrategias gráficas en cada categoría para diseñar envases más atractivos y memorables. La posibilidad de descargar el libro en formato eBook de forma gratuita es un recurso valioso para quienes buscan profundizar en el diseño de packaging.

El artículo explica bien la importancia de transmitir el concepto de marca de manera coherente en todos los elementos visuales y comunicativos. Me parece clave la idea de que el branding no se trata solo de diseñar un logo, sino de crear una experiencia que refuerce la identidad de la marca. Como diseñador, es un reto lograr que cada detalle (tipografía, colores, tono de comunicación) refleje los valores y la esencia de la marca para conectar con el público adecuado.

Me parece interesante cómo el artículo enfatiza que la memoria de una empresa no debe ser solo un informe financiero, sino una herramienta de comunicación que refleje su identidad, valores y cultura. Destaca la importancia de transmitir no solo logros económicos, sino también el compromiso con los empleados y otros grupos de interés. Además, resalta que una memoria bien diseñada y con un mensaje claro puede fortalecer la imagen corporativa y generar confianza, convirtiéndose en un puente entre la empresa y su entorno.

El artículo es interesante porque explora cómo las marcas no solo comercializan productos, sino que también moldean percepciones, estilos de vida e incluso la identidad de las personas. A través de estrategias de marketing y branding, las empresas logran conectar emocionalmente con los consumidores, generando una sensación de pertenencia o estatus. Además, invita a reflexionar sobre hasta qué punto nuestras decisiones de compra son realmente propias o están influenciadas por mensajes publicitarios cuidadosamente diseñados. Esta perspectiva crítica nos ayuda a comprender el impacto del consumo en la sociedad y en nuestra forma de relacionarnos con los productos y servicios que elegimos.

Este artículo explica bien la diferencia entre identidad, identificación e imagen en branding, conceptos que a menudo se confunden. Me parece acertado cómo destaca que la identidad es lo que la marca es en esencia, mientras que la imagen es la percepción que el público tiene de ella. También me pareció interesante la idea de que la identificación actúa como un puente entre ambas. En el diseño gráfico, esto es clave porque no solo se trata de crear un logo atractivo, sino de transmitir una identidad coherente y alineada con lo que la marca quiere comunicar..

Yo opino que el artículo "La singularidad tiene un límite" aborda un punto muy importante que a veces se pasa por alto en diseño: la necesidad de equilibrar creatividad y funcionalidad. Me parece interesante cómo cuestiona la obsesión por ser siempre original, ya que muchas veces eso lleva a soluciones poco prácticas o desconectadas del propósito real. Es un texto que invita a reflexionar y a valorar más el impacto del diseño que su simple capacidad de destacar por ser diferente. Creo que es una perspectiva muy sensata y necesaria para los creativos.

El artículo ofrece un análisis práctico sobre cuándo es realmente estratégico invertir en una marca, desmitificando la idea de que siempre es necesario. Con ejemplos claros, destaca cómo factores como el mercado, los recursos y el modelo de negocio deben guiar esta decisión. Es una lectura útil para emprendedores, ya que promueve una gestión de marcas más racional y eficiente..

El artículo es valioso porque aborda, con una mirada crítica y directa, la endogamia y el elitismo que caracterizan a las bienales del cartel, revelando cómo estos eventos priorizan un círculo cerrado de diseñadores, estilos y discursos que limitan la diversidad y la innovación. Cuestiona el romanticismo que idealiza estas bienales, destacando su desconexión con la función comunicativa y práctica del cartel como herramienta de diseño. Aunque incisivo, su análisis es necesario porque confronta la complacencia de la industria, exigiendo una renovación que democratice el acceso y valore perspectivas más amplias y representativas.

Me hizo reflexionar sobre cómo muchas veces se idealiza la creatividad como algo mágico o reservado para unos pocos "iluminados", cuando en realidad es un proceso que se construye con esfuerzo y dedicación. Me parece acertado que se critique la idea de esperar por la inspiración, porque, en mi experiencia, las mejores ideas surgen cuando estoy trabajando activamente o me rodeo de las cosas que me gustan y me inspiran a trabajar, no cuando espero a que llegue un "momento mágico". Además, me gusta cómo se enfatiza que la creatividad es una habilidad que todos podemos desarrollar, no un don exclusivo. Esto es muy motivador y ayuda a no tenerle miedo a errar, porque es parte del proceso creativo. En definitiva, la creatividad no es cuestión de suerte, sino de actitud y trabajo constante. Adoro

Es interesante que casi no pensamos en ello, pero nosotros también debemos tener en cuenta que hoy en día, las decisiones de compra están muy influenciadas por las recomendaciones de amigos, familiares o grupos cercanos con los que nos podemos comunicar rápidamente ya sea conversando o a través de redes sociales. Esto demuestra que la confianza en las opiniones de otros es clave para los consumidores, que actúan como "investigadores". Las marcas deben adaptarse a este cambio, escuchando más a los clientes y aprovechando la publicidad de el boca en boca, que sigue siendo una de las herramientas más poderosas. En un mundo donde todo cambia rápido, la capacidad de adaptación y conexión con el consumidor es muy importante para darnos a conocer.

Me encanta como el artículo me hace caer en cuenta de que la originalidad en el diseño no nace de crear algo desde cero, sino de equilibrar lo conocido con lo nuevo. Me gusta cómo plantea que la identidad surge de esa tensión entre lo similar y lo distinto, porque refleja que todo se construye sobre lo que ya existe. En lugar de buscar una ruptura total, el diseño es una evolución, y eso lo hace más rico y conectado con su contexto.

Muchas veces, en branding se asignan significados arbitrarios a los colores, pero la realidad es que su verdadera fuerza identificadora proviene del uso constante y de la asociación cultural. Un color no transmite un mensaje por sí solo, sino por cómo ha sido percibido y codificado en la sociedad.

Como diseñadores, debemos evitar caer en la trampa de justificar elecciones gráficas con explicaciones forzadas y, en su lugar, enfocarnos en la funcionalidad real de los elementos visuales. No se trata de imponer significados, sino de comprender cómo el público los interpreta dentro de su contexto. La creatividad en el diseño debe equilibrarse con la sensatez, priorizando la claridad y la eficacia en la comunicación.

Las restricciones en el diseño no son un obstáculo, sino un desafío que impulsa la creatividad. Trabajar con un manual de estilo o dentro de una identidad visual establecida exige ingenio para innovar sin romper las reglas. En el diseño institucional, la repetición puede parecer tediosa, pero ayuda a perfeccionar la comunicación y la síntesis. Al final, siempre habrá límites, ya sean técnicos, socioculturales o del cliente, y la clave para ser un buen profesional es aprender a innovar dentro de ellos.

La industria nos empuja hacia el motion graphics porque las redes priorizan el video sobre las imágenes estáticas. No significa que debamos convertirnos en animadores, sino complementar nuestras habilidades para seguir siendo relevantes.

El diseño gráfico sigue siendo clave en muchas áreas, pero para redes sociales es necesario adaptarse. En lugar de verlo como una obligación, podemos aprovecharlo como una oportunidad para diferenciarnos y equilibrar lo estático con lo dinámico.

Me parece una iniciativa sumamente maravillosa, que esperaria poder ver cada vez mas de otros medios latinos para latinos. Felicidades por un excelente trabajo con un equipo tan limitado

Me gustó cómo el artículo explica que el packaging no es solo para guardar cosas, sino que también ayuda a que una marca se vea y se sienta diferente. Hoy en día, con tanta competencia, un buen diseño puede hacer que un producto llame la atención y se venda más.

Eso sí, hubiera estado bueno que hablara más sobre tendencias nuevas, como envases ecológicos o diseños con tecnología, tipo códigos QR. Aun así, el libro suena interesante para quienes quieren saber más sobre diseño de packaging.

El artículo está bien explicado y deja claro que cada formato tiene su función. Me pareció interesante cómo conecta el diseño con la semiotica porque al final, todo se trata de captar la atención de la gente de la mejor manera posible.

Sin embargo, creo que en la actualidad estas diferencias no son tan estrictas. Muchos afiches tienen la fuerza de un cartel y algunos carteles pueden funcionar como pósters. Hoy en día, con el diseño digital y la publicidad en redes, estos conceptos se mezclan más. Aun así, es un buen artículo para entender cómo se construyen estos elementos en el diseño gráfico.

El artículo tiene una idea interesante sobre cómo el dibujo y el diseño están conectados, y el autor lo explica con buenos ejemplos. Es cierto que el dibujo es una base importante, pero hoy en día el diseño es mucho más que eso. Hay áreas como el diseño digital o la experiencia de usuario donde no es necesario saber dibujar a mano para crear cosas increíbles.

Siento que el autor es un poco cerrado en su visión, como si todo diseñador tuviera que dibujar sí o sí, cuando en realidad hay muchas formas de diseñar sin lápiz y papel. Aun así, tiene razón en que el dibujo ayuda a desarrollar la observación y la creatividad, y que debería enseñarse más en las universidades. Al final, todo depende del enfoque que cada diseñador quiera darle a su trabajo.

Interesante punto de vista.

Fui muy escueto en mi respuesta. Sobre todo para algo tan contundente.

Cuando sea momento y lugar, volveré con un desarrollo más decente.

Gracias por la flexibilidad de mente. Cosa poco fácil de hallar estos tiempos.

¡Hola Luciano!

Ante todo gracias por responder.

Interesante punto de vista. Es cierto que la marca no se construye solo desde el diseño, sino desde la experiencia del usuario, la comunicación y otros factores estratégicos. Sin embargo, el diseño sí juega un papel clave en dar forma y coherencia al programa de estrategia que se le entrega (en mi caso, al ser marcas muy pequeñas, que yo mismo genero), siendo este proceso de ida y vuelta donde el diseñador puede devolver inputs importantes a la estrategia. El diseño no tiene principios, solo tiene fines.

Opuesto a lo que describe este artículo:

Diseñadores, ustedes no están para crear marca alguna.

Podríamos referirnos a singularidad como el punto de encuentro del deseo del consumidor y el bien que le provee cierto producto.

Eso que hace decirse a sí mismo: «Es hora de ir por MI (producto)».

Hay convenciones gráficas como lenguaje, según la tradición de cada lugar.

Intencionar el trabajo gráfico hacia un quiebre de esos patrones sin la sustancia del porqué, es una tendencia que pareciera volver cada tanto.

Difícilmente con resultados en favor de la empresa impulsora.

Por ejemplo, de vez en cuando imagino algo como una farmacia donde sus colores corporativos sean el negro y el fucsia.

La única forma de que algo así tuviera un éxito amplio (no solo económico para la farmacia), será con el trasfondo del porqué de esa imagen.

Tendrá que ser tan potente que provoque la sensación colectiva de que tenía que ser esos colores sí o sí.

La imagen, en general, proviene de algo exclusivamente funcional. La narrativa sobre ese efecto físico, es otro tema.

Es interesante cómo el texto relaciona el diseño, la industrialización y la estética. Uno de los puntos que mas me llamo la atención del texto es la manera en que el diseño ha moldeado la percepción estética en diferentes épocas, desde el rigor del funcionalismo, hasta las expresiones mas burdas y subjetivas como los diseños posmodernistas. Esto demuestra que la estética no es un concepto estático, sino que se mantiene en constante cambio como expresión, adaptándose a las necesidades y forma de sentir de cada sociedad. En el articulo también se habla sobre como la industrialización permitió la difusión masiva de una estética accesible, pero a su vez generó un riesgo de homogeneización visual, un fenómeno que hoy en día aun esta presente.

Opino que con forme se avanza en está sociedad tan globalizada, es inevitable generar un estándar del diseño para cada área al que se aplique, produciendo así que la estética del diseño se base en parámetros que se siguen estableciendo, lo que puede resultar limitante para un diseñador y nos convierte en productores masivos de diseños pre-producidos. Y si se tiene en cuenta la continúa censura hacia las personas y las opiniones que se consideren agresivas, entonces la voz del diseñador tendrá que apagarse para generar solo lo que se le pide.

Según lo que leí, si una empresa quiere ponerle un nombre especial a algo que vende, tiene que pensar bien. No es solo de gastar dinero en publicidad. Hay que ver si el producto es realmente diferente a los demás.

Por ejemplo, si una mermelada es súper especial, con ingredientes raros o algo así, pues sí, le pones un nombre llamativo. Pero si es una mermelada normal, pues mejor dejarla como 'mermelada de fresa' y ya.

También, si el nombre es muy difícil de recordar, o si nadie lo usa, pues es dinero tirado a la basura. Es mejor que la gente siga diciendo el nombre normal del producto, ¿no?

En resumen, ponerle nombre a algo es como ponerle apodo a un amigo. Si el apodo le queda bien y todos lo usan, ¡genial! Pero si nadie lo usa, o si es un apodo raro, pues mejor dejarlo como está."

Antes se creía que el diseño y el arte eran dos cosas diferentes, debido a su propósito y función. El arte lo consideraban libre y sin función práctica y el diseño era más orientado a la funcionalidad. Ahora tiene un rol simbólico y estético que fusionaron creatividad y funcionalidad. Después de la llegada de La Bauhaus y el diseño posmoderno, estas dos buscan ordenar y tener una provocación al público objetivo. Me parece también interesante en como Los posters uno tiene que verlo más de dos veces y pensarlo. 

Este articulo me gusto bastante , analiza la relación entre el diseño y la estética en la sociedad. También me genera bastante interés la explicación de cómo el diseño no solo responde a necesidades funcionales, sino que también influye en la cultura visual y en la percepción de los objetos cotidianos. Además, destaca la importancia de movimientos artísticos como la Bauhaus y su impacto en la sociedad de consumo. En pocas palabras es un articulo interesante para comprender cómo el diseño moldea nuestra experiencia visual y simbólica del mundo.

😁

Un articulo bastante interesante para mi. Me hace pensar sobre como el diseño ha conseguido infiltrarse en nuestras vidas de manera tan simple y potente, pero manteniendo esa esencia artisitica. Lo que más me sorprende es cómo el diseño, que inicialmente parecía centrarse más en lo práctico y útil, ha progresado hasta transformarse en algo mucho más simbólico y de gran valor estético.

Actualmente, los productos que utilizamos cotidianamente no solo desempeñan un papel, sino que también nos proporcionan una experiencia visual, emocional e incluso intelectual, lo que hace que el diseño sea más accesible. igual, es chevere ver como el diseño se ha convertido en arte con el paso del tiempo. Antes los diseñadores se enfocaban mas en la funcionalidad, ahora nos enfocamos en darle una "personalidad" al diseño, un historia, un sentimiento. un "mood".

excepcional sin dudas, atento al detalle, supercritico pero siempre con gran cariño y bondad

Me parece muy interesante cómo el texto explica que el diseño siempre ha estado entre lo práctico o funcional y lo estético . Desde que empezó la producción en masa, el diseño se ha encargado de que las cosas no solo sirvan, sino que también nos gusten y llamen la atención visualmente. Además, me hace pensar en cómo el arte y el diseño siempre han estado conectados, influyéndose mutuamente, y cómo eso sigue siendo importante hoy en día con los nuevos desafíos del diseño gráfico.

La historia del diseño, particularmente a través de Bauhaus y Vkhutemas, demuestra su evolución en la intersección entre arte y funcionalidad. Estas instituciones desdibujaron las líneas tradicionales, integrando el arte utilitario y estético. como ejemplo el monumento a la Tercera Internacional de Tatlin reflejan cómo el diseño no solo avanza técnicamente, sino que también aprecia valores políticos y sociales. Esta unión resalta que la estética del diseño va más allá de la forma, haciendo de los objetos no solo herramientas prácticas, sino representaciones culturales que influyen y transforman la experiencia estética en contextos industriales y sociales. La relación entre diseñador y artista debe darse debido a la sensibilidad que cada uno conlleva, deben ir a la mano para generar obras contribuyentes acordé a la necesidad del cliente.

Mi nombre es Andrea Linares y pienso que en el contexto de la cultura industrial, el diseño no solo satisface necesidades utilitarias, sino que establece una comunicación simbólica que refleja valores, identidades y aspiraciones colectivas. Esto es evidente en cómo las empresas, como Pyrex y Rosenthal, conciben el diseño como una fusión de utilidad y satisfacción estética, vinculando el producto al consumidor no solo por su funcionalidad, sino también por su capacidad para expresar emociones y pertenencia cultural. Me parece interesante que esa relación entre industrias culturales y la sociedad, democratizando la estética para que cada uno de los individuos pueda tener esta experiencia, de esta manera reflejando cultura y prácticas sociales.

Me gustó mucho el artículo ,la reflexión sobre cómo el diseño ha pasado de ser solo funcional a ser un fenómeno cultural y simbólico . Me parecio importante destacar la influencia de movimientos históricos como la Bauhaus y los Vkhutemas en la relación entre estética y su funcionalidad.

este artículo me hace cuestionar hasta qué punto el diseño es solo una herramienta funcional o si es, en esencia, una forma de arte que moldea nuestra manera de ver el mundo.

El texto destaca cómo el diseño se ha convertido en una estética de la cultura industrial, combinando aspectos técnicos y creativos para producir objetos con un alto valor estético y simbólico

El texto plantea una idea muy interesante sobre cómo el diseño tuvo que encontrar su propio camino en medio de una batalla entre arte e industria.

En el siglo XIX, los artistas buscaban diferenciarse de la producción en masa y, para hacerlo, se alejaron de la funcionalidad, en otras palabras, lo que no servía para nada empezaba a considerarse arte.

Muy enriquecedor el artículo, desde mi ángulo, la dinámica de mi trabajo me obliga a evolucionar de manera paulatina y aventurarme al diseño animado, "YA LO HABÍA PENSADO", pero éste artículo me dio la pauta para indicarme el camino correcto. ¡Saludos!

Creo que es muy interesante esta discusión sobre el límite que existe actualmente entre el diseño y el arte, muchas personas en el medio no consideran al diseñador como un artista, sobre todo por el hecho de que como diseñadores seguimos normalmente lineamientos específicos qué nos piden para crear una pieza y según muchos un artista no sigue reglas, sino su propia voluntad para su obra, y aunque hay claras diferencias de cada profesión, estoy de acuerdo con el artículo cuando dice que el diseñador ejerce un papel de artista y el artista de diseñador, son dos cosas que no se pueden separar, puesto como diseñadores estamos buscando lo estético constantemente en nuestras piezas.