Tlahuitoltepec: diseño y arte de los pueblos originarios

Los peligros que entraña la intromisión del diseño en el arte de los pueblos originarios.

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Ilustración principal del artículo Tlahuitoltepec: diseño y arte de los pueblos originarios

En el marco de la modernidad y de la creación de políticas «desarrollistas» se han alentado lazos de colaboración entre las mal llamadas creaciones «artesanales» de las comunidades indígenas y el diseño. Existe la creencia generalizada de que el diseño debe «ayudar» a la «profesionalización» de las creaciones indígenas, mediante estrategias propias de diseño: creación y gestión de marca, identidad corporativa, capacitación, entre otras.

La mayoría de los diseñadores, formados bajo una visión occidental-moderna, creemos que las creaciones artísticas de los pueblos originarios «necesitan» de la visión profesional del diseño para que puedan competir bajo los lineamientos del libre mercado; o bien, que estas manifestaciones se empleen y resignifiquen en otros soportes «de diseño» para que puedan acceder de mejor manera a la esfera del intercambio económico local, nacional e internacional.

El arte de los pueblos originarios se crea a partir de complejos mecanismos enraizados en su cosmovisión, sus creencias religiosas, su relación con la naturaleza (que generalmente es de respeto y extremo cuidado) y donde generalmente el bienestar individual se logra a partir de la convivencia, la cohesión interna de las comunidades y el bienestar comunal.

Los estudios antropológicos que hacen referencia a las manifestaciones artísticas indígenas muchas veces refuerzan las concepciones neoliberales de las políticas públicas del Estado, que se enfocan a ver a dichas manifestaciones como arte menor dentro de su escala de valores artísticos, diferenciándolos y clasificándolos como arte popular, artesanía o como «manifestaciones no académicas de la cultura» (Novelo, 2003: 11), de tal modo que las creaciones artísticas indígenas se encuentran enmarcadas dentro del ámbito artesanal con todas las repercusiones que ello implica: subvaloración económica y simbólica, esquemas de comercialización que benefician a intermediarios públicos y privados, aparatos institucionales que desconocen los complejos mecanismos de producción, distribución y consumo, además del atropello de los derechos intelectuales que afectan la producción del arte indígena.

Estas políticas institucionales se ponen en práctica desconociendo los contextos sociales, históricos, políticos y culturales,1 que lejos de enriquecer la producción y difusión del arte indígena, tanto en sus contenidos simbólicos como en su manufactura, colocan en un punto vulnerable a los creadores de los pueblos originarios. La implementación de políticas institucionales, en las que muchas veces interviene el trabajo del diseño, no toma en cuenta a estos contextos y ha traído como consecuencia una notable baja en la calidad de su producción, mientras que en el escenario sociopolítico ha desencadenado una serie de conflictos dentro y fuera de las comunidades.

Una de las principales características de las producciones artísticas indígenas es que éstas no están pensadas originalmente para su comercio; son para uso cotidiano, religioso y festivo. Ejemplo de ello es la rica indumentaria ritual que puede observarse en la mayor parte de estas comunidades.2 Dentro del uso ceremonial destaca la indumentaria que se usa en las festividades religiosas, en los enlaces matrimoniales y en las ceremonias funerarias. Quien viste una indumentaria indígena es, por lo tanto, portadora de la cosmovisión, tradición y carga simbólica de su pueblo.

A principios del año 2015, en las redes sociales ha habido una indignación creciente debido a lo que se considera un plagio de parte de una reconocida diseñadora de modas francesa, Isabel Marant.3 Ello ha generado una serie de reflexiones, comentarios, interpretaciones y protestas, principalmente de los habitantes de la comunidad de Santa María Tlahuitoltepec Mixe, en el estado de Oaxaca, además de los pronunciamientos realizados por investigadores, académicos y personas relacionadas con la preservación de los textiles de los pueblos originarios de México.

En la comunidad de Santa María Tlahuitoltepec se emplea, como parte de la indumentaria, una blusa que se borda con elementos simbólicos, que son característicos de este pueblo. Estos patrones son parte, además, de su patrimonio cultural y artístico, y como ellos mismos lo mencionan, es el medio a través del cual registran su vida, su cosmovisión y su manera de pensar: su «identidad».

Mujer Mixe de Santa María Tlahuitoltepec. Fuente: Foto cortesía de Abdiel Cardozo Calderón (2015).
Blusa de la colección «Étoile» de Isabel Marant (Fuente: NET-A-PORTER, 2015).

En un pronunciamiento que llevaron a cabo las autoridades municipales de la comunidad, el día 3 de junio en las instalaciones del Museo Textil de Oaxaca, mencionan que la confección de la Blusa de Tlahuitoltepec xaamnïxuy es principalmente para el autosustento; es decir, para su uso cotidiano y ceremonial. Su venta e intercambio se da, por lo tanto, en escalas mínimas, puesto que la razón principal de la indumentaria es preservar, revivificar y mostrar día a día su cultura y la biodiversidad de la región.4

«La blusa de Tlahuitoltepec extiende figuras ilusorias que refieren al equilibrio de la lengua ayuujk. Recoge excepcionalmente, como un mapa, una forma de relacionarse con el mundo. Recrea lo cotidiano. Preside lo colectivo. Inaugura la comunidad. Salvaguarda el patrimonio material e inmaterial de la comunidad y es testigo de la continuidad de sus prácticas culturales. La «BLUSA DE TLAHUITOLTEPEC» es identidad».

Video de la declaración de la autoridad municipal de Santa María Tlahuitoltepec Mixe.
Mujeres Mixes de Santa María Tlahuitoltepec, estado de Oaxaca, México. Fuente: Foto cortesía de Abdiel Cardozo Calderón (2015).

Comprender el sentido, la cosmovisión y la cultura de los pueblos originarios debería de ser la primer tarea del diseño, si éste quiere ser partícipe de sus manifestaciones artísticas. Debe implicar también la comprensión de que dichas manifestaciones son patrimonios comunitarios, es decir, que no pertenecen a una persona y, por lo tanto, no pueden ser usados para obtener beneficios personales que afecten los derechos de la comunidad.

El diseño debe entender que las manifestaciones visuales indígenas se originan de procesos configurativos que no necesariamente nacen del racionalismo geométrico, pues estas manifestaciones se relacionan más con las manifestaciones míticas y simbólicas de las comunidades y sus cosmovisiones. No hacerlo implica caer, por ignorancia u omisión, involuntariamente o con dolo, en el plagio descarado, como el ejemplo aquí mencionado, o ser partícipes de la legitimación de políticas institucionales públicas y privadas que, generalmente, van en contra de los elementos culturales de la comunidades indígenas.

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  1. Gran parte de las comunidades indígenas del estado de Oaxaca, se rigen por un sistema social, político y religioso denominado Sistema Normativo Interno, cuya máxima autoridad es la Asamblea Comunitaria, las autoridades reciben de parte de dicha Asamblea la responsabilidad de velar por el bienestar de toda la comunidad.
  2. En México se han estudiado ampliamente las características formales de la indumentaria indígena. Un ejemplo notable es el que llevó a cabo la indígena chinanteca Bartola Morales García con respecto al contenido simbólico del huipil de la comunidad de Ojitlán, en el Estado de Oaxaca.
  3. La cantante oaxaqueña Susana Harp denunció en redes sociales que una blusa de esta diseñadora era idéntica a la que confeccionan en la comunidad de Santa María Tlahuitoltepec, también en el estado de Oaxaca. Ver sitio de Isabel Marant.
  4. Comunicado que dieron las autoridades de Santa María Tlahuitoltepec Mixe por Twitter.

Bibliografía:

  • Armella, V.; Castelló, T. y I. Borja, (1988) La historia de México a través de la indumentaria. México, Inversora Bursátil Casa de Bolsa.
  • Clements, H., (1980) Our Work: Weaving at Santo Tomás Jalieza, Oaxaca. Thesis in Anthropology, U.S., Faculty of Texas Tech University.
  • Cordry, D. y D. Cordry., (1968) Mexican Indian Costumes. Austin, University of Texas Press, Austin & London.
  • Johnson, I., (1976) Design Motifs on Mexican Indian Textiles. Vol. 1 y 2. Austria, Akademische Druck – U. Verlagsanstalt.
  • Morales, B., (1987) La elaboración de la indumentaria chinanteca de Ojitlán, Oaxaca. Tesis profesional, México, Programa de etnolingüística, SEP/INI.
  • Novelo, V., (Coord) (2003) La capacitación de artesanos en México, una revisión. México, Plaza y Valdés.

Sitios de internet donde se pueden consultar las posturas acerca de la controversia surgida:

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César Leal

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Erik Villarreal
Feb 2017

Es triste ver que algunos diseñadores quieran aprovecharse de estos patrimonios culturales para su beneficio, es importante crear conciencia sobre esto, la relación del diseñador/artesano puede ser algo complicada, pero con los valores y las maneras se puede llegar a un acuerdo para difundir la cultura mediante el diseño. En un simposio de diseño, una diseñadora mexicana nos platicó que ella participó en un proyecto en ayudar a los artesanos a crear artesanias mediante el diseño industrial, nos platicó que fué complicado ya que ellos tienen su manera de hacer las cosas y es difícil sacarlos de sus técnicas y metodologías, pero poco a poco, la relación y el proyecto fueron dando frutos. Por último, cómo diseñadores debemos apoyar la cultura y además de crear diseños originales.

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Samantha Echavarria
Dic 2016

Uno de los rasgos más distintivos de nuestro país son las vestimentas artesanales, el conjunto de símbolos y códigos que nos transmiten su herencia social, es importante que se reconozca y se valoren las materias primas que por naturaleza y riqueza social cultural tenemos.

Debemos apoyar nuestro diseño mexicano y trabajar de la mano artesano - diseñador.

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Ana Elizabeth Muñoz
Feb 2016

Realmente considero que la relación diseñador-artesano es completamente viable cuando hay valores y moral de por medio, los diseñadores, como ciudadanos, tenemos la capacidad y obligación de ser los principales difusores de nuestra cultura, sin que esto signifique despojarla de su esencia, más bien compartir esa riqueza y darle valor, tanto a los creadores como a los que lo consumen.

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Emilse Sandate
Ene 2016

Este tema lo debatimos en la clase de mi universidad, el maestro hacia un fuerte énfasis en la relación diseñador/artesano, explicando que el trabajo en comunidades debe ser entrelazado, es decir aprender el uno del otro trabajando a la par. Si bien me parece que se debe, como menciona el artículo al inicio, guiar al artesano a una marca propia (imagen) en el mercado para dar una seguridad a dicho producto.

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Mariana Maldonado
Dic 2015

El artículo y el caso de las blusas de Tlahuitoltepec me incitan a reflexionar sobre las consecuencias que trae consigo la ignorancia del significado y poder de las palabras. Artesanía (latín) «artis-manus», arte con las manos; no nos tendría que parecer ofensivo referirnos a tan bella labor indígena con esa palabra; lo triste y denigrante ocurre cuando olvidamos y perdemos el interés por saber más allá y nos acostumbrarnos a subestimar, desvalorar, empobrecer las aportaciones creativas de los pueblos indígenas; pesamos que el «arte» sólo es valioso si viene de fuera y se expone en una galería de NY y no nos da vergüenza regatear el trabajo de un hombre Oaxaqueño (por citar un cuento «Canastitas en serie» B. Traven. Canasta de cuentos mexicanos) o al artista huichol Santos de la Torre (documental Eco de la Montaña). Debemos resignificar la palabra artesanía para no olvidar que esos objetos no están hechos sólo con las manos sino también con el corazón y el alma de una comunidad.

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Michelle Mendez
Dic 2015

Concuerdo completamente contigo, si bien este tema ha dado mucho de qué hablar dentro de todas las redes sociales, ya que muchos mexicanos han sentido indignación, al ver el plagio que ha cometido la reconocida diseñadora francesa, Isabel Marant, sin embargo, pienso que este tema nos sirve mucho a los diseñadores, para darnos cuenta de la importancia que tiene , el ser original y creativo a la hora de diseñar, ya que al tomar ideas de otros, lo único que provocamos es demeritar nuestro trabajo, además de que es completamente injusto, tomar el trabajo de alguien más, ya que si bien esa persona llevo a cabo un gran esfuerzo para lograr que su trabajo sea reconocido.

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Judy G Saenz
Sep 2015

Estoy de acuerdo contigo, en que es nuestra obligación como diseñadores, no solo conocer si no también comprender nuestra cultura o la cultura del lugar donde trabajemos ya que forman parte de un patrimonio y no podemos llegar tomar cosas que nos son ajenas y hacerlas nuestras. Es parte de nuestro trabajo antes de comenzar un proyecto investigar que no existan cosas similares o si estamos realizando un proyecto con la colaboración de alguien más hacerlo parte del trabajo colocándolo en los créditos.

1
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Antonio Montero
Sep 2015

Hoy somos todos mestizos. Cualquier "pueblo originario" en la actualidad es uno extinto, y su cultura de interes arqueológico.

Hay un tufillo de "guardián de la pureza" en este extenso artículo que por su extensión denota su procedencia barbuda.

Aprecio, como en la gran mayoría de los artículos que en FOROALFA se presentan, su ingenio, interés forense y una buena cuota de humor.

Saludos

AME

Santiago de Chile

0
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0
Fernando Castle
Oct 2015

Ideas como el "mestizaje" como lo planteas, así como el "interés arqueológico" de un pueblo originario X, habla precisamente de lo hondo que ha calado en la subjetividad los conceptos occidentales, colonialistas y capitalistas incluso en el seno mismo del territorio invadido y expoliado (Chile tiene, tristemente, una serie de profundas heridas que no puede sanar).

Duele pensar que una "procedencia barbuda" pueda entenderse como una subvaloración y no como un posicionamiento posible. Y justificado.

Ideal sería dejar de "ser pensado", romper creencias y pensar fuera de la lógica única que impone el mercado.

Saludos.

Fernando de Rosario.

3
Retrato de Marina Franco
2
Marina Franco
Dic 2015

El mestizaje en México no se dio como en otros países, aquí obligaron a los indígenas a adoptar nombres y apellidos castellanos con el fin de hacerlos sentir pertenecientes a un Proyecto de Nación que no contempla a las distintas culturas que habitan en el país para luego llamarlos "mestizos" si se convertían en hablantes de español y olvidaban su lengua indígena. Las culturas ancestrales de américa latina no están extintas, aún viven, condenados a enfrentar una realidad que los degrada y que busca la manera de deshacerse de ellos. Las culturas indígenas de México sobreviven sin las oportunidades de desarrollo que cualquier ciudadano de ciudad obtiene. Es un tema muy complejo, con muchas aristas.

1
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Retrato de Ale Serena
0
Ale Serena
Sep 2015

El problema de la "desvalorización" del arte de pueblos originarios por parte del diseñador viene desde como enseñan diseño en la escuela.

Si miramos a países cuyo arte ha despuntado (como Japón e India) son poblaciones que inevitablemente están inmersas en la cosmovisión y las expresiones espirituales nativas, además de que socialmente no se discrimina las formas de arte ni al artista indígena.

En México se enseña diseño queriendo emular estilos europes, cuando realmente deberían estar enseñando a hacer diseño como mexicano. El mexicano es barroco y colorido (precisamente tendríamos el mismo potencial que tiene la India para exportar arte y filosofía) y si no se nos obligara durante la "formación académica" a alejarnos de lo propio para adoptar formas de diseño totalmente agenas,entonces podríamos adentrarnos en el mundo del arte que nos ha rodeado desde niños para, si no imitarla, sí por lo menos entenderla y respetarla. Difundirla y apoyarla así, por lo que es.

2
Retrato de Elsa M Bravo M
0
Elsa M Bravo M
Jul 2016

ajenas...

0
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3
Marisol Muñoz Plascencia
Sep 2015

Es importante conocer nuestra cultura y precisamente dar nosotros a conocer lo que por identidad nos pertenece, por desgracia en muchas ocasiones no se tiene el conocimiento o quizá hay personas más visionarias externas a lo que nosotros nos toca por herencia cultural, por decirlo de alguna manera. Cierto es que tenemos un rica y extensa cultura en sus diversos formatos y aplicaciones en el diseño. Una opción también podría ser capacitar y educar a quienes saben de este oficio, que es precioso, a enseñarlas a ser líderes de su oficio. Como diseñadores nos compete informarnos de nuestro patrimonio cultural, eso no significa que saber del mundo que nos rodea es dejar de lado nuestras raíces.

2
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