«Árbol, hoja, salto, luz,
aproximación,
mueble, lana, gusto, pie,
te, mar, gas, mirada,
nube, loba, dedo, cal,
gesticulador,
hijo, cama, menta, sien,
rey, fin, sol, amigo, cruz».
Luis Alberto Spinetta (Fragmento de Por)
Las cometas son fugaces y no aparecen siempre. Cuando aparecen, su luz es tan intensa que la debemos recordar para no olvidar ese destello que ahora encandila. Ahora desde el diseño, Luis Alberto Spinetta nos deja un legado precioso, nos deja luz reflejada en la tapa de sus discos. Esta luz fluía de tal manera en el «flaco» que despliega también en una identidad grafica, industrial, visual propia, signada por la experimentación lúdica pero comprometida, los manifiestos, su particular apreciación del arte, la música, los textos, los vuelca al diseño y nos hereda desde su mundo un rayo de esa luz.
Es 1973 en Buenos Aires y el flaco lanza un hito a la historia del Rock, la gráfica y el Diseño Latinoamericano —sin exagerar—. Aparece Artaud y aparece una comunión única entre música, literatura y diseño. Llega el flaco y lo desestabiliza todo, sube, baja, quema y siembra en la cabeza del poeta, dramaturgo y actor francés Antonin Artaud o viceversa: el factor sí altera el producto. Artaud, quien minimiza la palabra hablada y se deja llevar por una combinación de movimiento físico y gesto, confiere al flaco a su vez la eliminación de disposiciones estéticas habituales en escenarios de confort y con una ternura rabiosa golpea los decorados existentes.
Y ahí el flaco invoca la figura del poeta indómito como anticuerpo para la locura: «Aquel que apuesta por el impacto violento en el espectador… liberando así el inconsciente en contra de la razón y la lógica».1 Artaud le parte la cabeza en dos al flaco con sus textos surrealistas y malditos, y nos heredan una de la piezas donde música, arte y experimentación en el diseño hacen que las cosas no vuelvan a ser iguales.
Spinetta se mete ahí con el poeta, también con Gatti2, con su guitarra y corazón a crear conceptos gráficos, imágenes, formas que desatan mundos claustrofóbicos y bellos, lirica diáfana y poesía mística envueltas en un empaque deforme, inclasificable, inadaptado, Artaud es la portada y Spinetta es su contenido, fusión de artes y diseño.
Y Artaud esta ahí en la estantería que lo repele, que lo aísla, a la cual no se adapta, el diseño no se adapta. «¿Acaso no son el verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte, el verde para la resurrección y el amarillo para la descomposición y la decadencia?».3 Y el cuadrado le dio bronca por igual, por alineado y vuelca el diseño al servicio de la música, del texto, las aristas de la tapa siguen caminos recónditos, únicos y movilizadores de experimentación invaluable, fundante en la exploración formal, estética y grafica, «fue el antídoto al sufrimiento».4
Spinetta y Artaud nos acercan a los diseñadores al ritual del descubrimiento, a aceptar «que la poesía es una arma cargada de futuro»,5 de caminos que se bifurcan por las vías de la música, la literatura, el Diseño y la experimentación proyectual, evitando la inevitable racionalidad de las metodologías convertidas en formulas canonícas de ejercicios disciplinares monótonos y previsibles. El flaco nos hereda que podemos acechar desde el Diseño a construir un mundo más humano.
Un poeta como Artaud revive, se reinventa cuando es imaginado como el nuevo día por Spinetta, volcado en su música, volcado en grafica, volcado en diseño. Spinetta a través de su legado refunda un mundo en donde «todas las hojas son del viento».
Publicado el 16/02/2012
recoges esencia,sencibilidad y conocimiento de grandes manifestantes del arte, sigue compartiendolo ¡ gracias ¡
Excelente articulo, divina opinion GRANDE ERES FLACO. GRANDE ERES NESTOR.....!!!!
Frente de la edición original de «Artaud», de Pescado Rabioso, diseñada por Juan Gatti y Spinetta. Exhibida hasta el 30 de Abril de 2012, en Biblioteca Nacional, en la muestra «Pidamos peras a Jorge Alvarez», de Jorge Alvarez, con curaduría de Guillermo David.
Hola Néstor, muy buen artículo y un merecido homenaje a uno de los más fantásticos artistas latinoamericanos del siglo. Muchas gracias.
«...¿Acaso no son el verde y el amarillo,
cada uno de los colores opuestos de la muerte,
'el verde para la resurreción,
y el amarillo para la descomposición y la decadencia?«
(fragmento de Cartas - Antonín Artaud - 1937 - Texto aparecido en la contratapa del álbum)
Con el debido respeto: espero que para la música y la poesía sea mejor que para el diseño. En lo relativo al diseño quizá haga falta una fotografía donde se aprecie de forma más tridimensional. Ese disco por acá en México no lo he visto.
Joaquín; éste disco también aportó su granito de arena al diseño de portadas, ya que esa forma irregular que se observa es la que en realidad tenía la cubierta original, el vinilo (¡1973!). Ninguna fotografía (como normalmente hay en las tapas de rock), bah, salvo por el la pequeña foto del gran Artaud. Una textura, y el fin de una banda, para pasar al comienzo de otra. Spinetta en lo más alto.
Darío, tu artículo y tus comentarios me llenan de alegría, es acojedor ver que nuevamente vemos el legado cultural de esta manera; ver cuándo, dónde y de la mano de quiénes llegamos a tener la pluralidad visual de hoy en día. No hay que dejar de mirar el valor de la marcada diferencia que tuvimos en los anaqueles por esos tiempos. Tal vez, haga falta un poco de aquello, hoy.
El disco Artaud ya se convirtió en un hito, tanto en lo musical como en materia de diseño de discos. Spinetta, uno de los artistas argentinos más geniales del último medio siglo; pero allí también se mencionó al colega Juan Gatti, gran diseñador.
Gracias Nestor por el artículo / homenaje a un grande y a una obra cumbre del rock !
Spinetta fué un músico que siempre innovò desde el diseño en cada uno de sus discos, Un Mañana (ùltimo disco de estudio) es un claro ejemplo, de como el diseño cobra un fuerte concepto en la imagen física de la música.
Spinetta, con su propuesta tan plural en lenguajes como señala Néstor Damian Ortega, no era ajeno al clima de creatividad de vanguardia que se vivía en Buenos Aires en aquellos años.
Muy oportuno este texto, que recuerda a un músico tan inmenso como humano, a través de un disco esencial (entre muchos esenciales que tuvo) como es «Artaud». En términos estrictos, no llega a contemplarse en estas imágenes la edición tal cual era en 1973, ni su formato de ruptura. Estas imágenes pertenecen a una de sus tantas versiones editadas en CD, tanto el frente como el dorso. La edición original (no aceptada en su momento, hoy difícil de conseguir), es genialmente caprichosa e incómoda, tanto que sobresale de los estantes, como bien apuntan.
Cuando descubrí esta disco del flaco yo tendría 16 años, era de mi viejo, fanático.
Años más tarde, cursando en la fadu comenzamos a ver en la historia del diseño argentino una de las corriente artísticas que se destacaron en nuestro país.
Fue automático casi.. ver obras madí y plantarse en mi mente la tapa de Artaud de Spinetta, lo cual no es coincidencia.
No es solamente una asociación morfológica sobre el marco irregular que tienen ambos, sino la filosofía de querer unificar las diferentes ramas del arte (dibujo, pintura, música, literatura, etc).
La mejor cubierta del rock argentino y posiblemente mundial!
Cabe aclarar que la cubierta original es irregular, imposible de ubicar en cualquier discoteca y la contra cubierta no tiene texto con los temas, éstos estaban incluidos en un tríptico junto con las letras.
«Has dejado noches, noches del adiós, la certeza de tus ojos, cree que me voy...Has dejado un cielo, para amanecerlo a la vez, allí...». Fuji. El flaco no se ha ido, quedará eternamente clavado en el corazón de todos los que escuchemos su canto, irreverente y evolucionado. Flaco, donde quiera que estes, vivirás eternamente en nuestros corazones.
El espacio arquitectónico expresa y registra las costumbres y hábitos de la sociedad que lo demanda.
La impecable e insoportable perfección de la Supermodernidad se acaba al olvidar las llaves en la mesa de noche, cuando la crema dental se chorrea sobre el lavamanos en el baño, o la silla tudor de mi abuelita desentona en la sala.
Cuando el objeto se lee connotativamente, se le despoja «simbólicamente» del poder que le ha otorgado el diseñador al crearlo. Así, se enriquece la realidad y el ego del diseñador queda «vencido».
La imitación estilística e iconográfica del pasado ha sido una solución frecuente en el diseño gráfico contemporáneo. ¿Hasta que punto es válida esta práctica?
El universo simbólico relacionado con los clubes de fútbol, y particularmente sus escudos, constituye un rico campo de análisis en relación a la construcción de identidad y el sentido de pertenencia.
Cuando te embarcas en el «cosismo» ya no hay vuelta atrás. Hagamos el ejercicio de dejar el micro y mirar el macro.
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